lunes, 20 de febrero de 2012

El siglo de las luces

Por: Jose Guzman Estrada


Se denomina “Siglo de las Luces” o “Ilustración” a una corriente intelectual de pensamiento que dominó Europa, en especial Francia e Inglaterra, durante el siglo XVIII. Abarcó desde el Racionalismo y el Empirismo del siglo XVIII hasta la Revolución Industrial del siglo XVIII, la Revolución Francesa y el Liberalismo.
 

Los pensadores de la Ilustración sostenían que la razón humana podía combatir la ignorancia, la superstición, la tiranía, y construir un mundo mejor. La expresión estética de este movimiento intelectual se denominará Neoclasicismo. La Ilustración tuvo una gran influencia en aspectos económicos, políticos y sociales.
 
El siglo XVIII, “Siglo de las Luces”, a causa de sus transformaciones importantes filosóficas y científicas que iban a conducir al advenimiento de la democracia, en Inglaterra y en Estados Unidos con la independencia norteamericana, y en Francia con la Revolución francesa. Es también recordada por la Guerra de los Siete Años entre Francia e Inglaterra, donde Inglaterra comienza a tomar una ventaja en Europa; es el apogeo del comercio triangular, la difusión del “despotismo ilustrado” o “iluminado”, que tiende a sustituir un absolutismo fundado sobre la razón del antiguo derecho divino.
 
El siglo XVIII se caracterizo principalmente entre otros por:
 
1.- Se le denomino el bello siglo XVIII: Mostraremos una breve recapitulación de la situación europea en el siglo XVIII.
 
La Europa del siglo XVIII, había sido dominada por Francia en los planos políticos, intelectuales y artísticos, era una Europa más autónoma pero todavía influenciada por el modelo francés en el número de reformas políticas emprendidas en nombre del "despotismo ilustrado o iluminado" (también llamado "despotismo benevolente").
 
Sin embargo, Francia no respondía más a sus ideas; la Revolución simbolizo en este contexto un acontecimiento de contestación real y limpia de la inmensa mayoría de los países europeos. El nuevo modelo político es sintetizado ahora en Inglaterra. Pero es un modelo copiado por un número limitado de países, aunque se suscitan “anglomanías” (en Francia por ejemplo con la guerra que realiza a Inglaterra, y en Norte América con la guerra de independencia de las trece colonias británicas), situaciones políticas-económicas que fueron seguidas por otras “anglofobias”.
 
El modelo del “despotismo ilustrado” entonces siguió: Como una tentativa personal de la introducción de los principios de filósofos franceses en ciertos Estados, dentro de límites prácticos (ningún rey pensaba abandonar su poder; el despotismo ilustrado era sólo un medio de modernizar el Estado y de reforzar el poder de su dirigente).
 
2.-La monarquía un “derecho divino” en el siglo XVIII.
 
Las fórmulas que empleó el rey francés Luis XIV para describir su poder, no encuentran en ninguno reino europeo, una acepción más aberrante en los siglos XVII como XVIII, y son proposiciones sumamente heterodoxas, con relación al sistema de la soberanía divina tal, como se habían concebido hasta aquel entonces en la Europa del Medioevo. El poder medieval, cuya representación groseramente errónea, tanta gente se lo creía aún todavía, no podía tener de ninguna manera aquella característica de soberanía ilimitada.
 
3.-Las potencias económicas y militares en el siglo XVIII.
 
Eran Francia, Inglaterra, Austria, Prusia, Rusia y Polonia.


 
4.- La Europa del 1715 al 1763: Guerras, paces y coaliciones.
 
La muerte del rey francés Luis XIV fue la principal señal de una crisis grave que iba profundamente a modificar la orientación de la política exterior de Francia y hasta las mismas estructuras de dicha nación. Al mismo tiempo las diversas coaliciones europeas arrastrarían pronto a una serie de luchas desgarradoras en el viejo continente.
 
5.- La formación del Imperio británico.
 
El establecimiento de la potencia inglesa sobre los mares es uno de los acontecimientos capitales del siglo XVIII y de la historia del mundo. Una preponderancia verdadera inglesa fue fundada y desarrollada desde 1713, seguida luego por el Tratado de Utrecht y Rastatt de 1715, y continuada con el Tratado de Paz en París de 1763 (*).  
 
(*) Este último documento fue desastroso para la Francia de Luis XV. El Tratado de Paris, fue firmado el 10 de febrero de 1763 por Gran Bretaña y sus adversarios, Francia y España, con el objeto de poner fin a la guerra de los Siete Años —que tenía lugar en Europa — y a la Guerra Francesa e India — fase de ese mismo conflicto en tierras americanas. Supuso el triunfo internacional de Gran Bretaña, que obtuvo las posesiones francesas en Canadá, así como las posesiones de aquélla al este del río Mississippi y las españolas en Florida.
 
6.- Los Estados Unidos de Norte América.
 
La fundación de los Estados Unidos de Norte América, es otro de los acontecimientos capitales de la historia  de la humanidad. La creación de los Estados Unidos de Norteamérica tuvo una promisoria fortuna de las más brillantes conocidas hasta esas épocas, y que contribuyo gravitante al cambio internacional, a finales del siglo XIX de mover todo el equilibrio del mundo en todo sentido.
 
7.- La Francmasonería.
 
La Francmasonería se define ante todos como una sociedad de pensamiento. Ella misma se presenta como una orden iniciática reservada para una élite reclutada por cooptación (modo de reclutamiento consistente para una asamblea que acepta a sus miembros). La Francmasonería en su forma actual viene del año 1717, fecha de la fundación de la Gran Logia de Londres.
 
En 1723, gracias a la pluma de su cofundador, el francés y hugonote Jean-Théophile Desaguliers, en colaboración con pastor anglicano británico James Anderson, se codificó las antiguas cartas del oficio de la construcción, del que afirmaba descendía la Francmasonería. Estas célebres cartas  masónicas,  fueron redactada para el uso de las Logias fue titulada: "Las Constituciones de los Francmasones, contenido de su historia, los deberes y las reglas de esta antigua venerable fraternidad".

La Francmasoneria

El articulo que acontinuacion leeran, es publicado en este blog con el fin de acercarnos un poco a el pensamiento del S. XVIII ; pues para algunos historiadores, los ideales masonicos estan ligados en gran manera a el pensamiento que acompaño a la humanidad durante este siglo.

"La masonería es una escuela filosófica, ecléctica, impersonal y constructiva, como camino individual hacia la verdad, como doctrina y factor de armonía y de progreso para cada hombre y mujer, particularmente para la sociedad y el medio en que se encuentra y desarrolla y para toda la humanidad.

La masonería tiene tres únicos principios: LIBERTAD, IGUALDAD Y FRATERNIDAD. La forma concreta de entender y aplicar esos principios no está marcada, y cada masón debe buscarla y realizarla personalmente. Esta exigencia no es puesta en práctica mediante un examen o confesión de un masón a otros, sino que se lleva adelante en la conciencia de cada uno."
En este link podran leer un articulo sobre los origenes de la masoneria.
http://www.freemasons-freemasonry.com/origens.html 

MANDAMIENTOS DE LA FRANCMASONERÍA

1.- Sé justo, porque la equidad es el sostén del género humano.

2.- Sé bueno, porque la bondad encadena todos los corazones.

3.- Sé indulgente, porque eres débil.

4.- Sé agradecido, porque el reconocimiento alimenta y sostiene la bondad.

5.- Sé modesto, porque el orgullo hace odiar a los seres pagados de si mismos.

6.- Haz bien al que te ultraje, a fin de mostrarte más grande que él y convertirlo en un amigo.

7.- Perdona las injurias, porque la venganza eterniza los odios.

8.- Sé continente, temperante y casto, porque la voluptuosidad, la intemperancia y los excesos destruyen tu ser y te hacen despreciable.

9.- Defiende tu país, porque en él te sientes dichoso y porque encierra todos los lazos y todos los seres queridos a tu corazón; pero no olvides nunca que la humanidad tiene sus derechos.

10.- No permitas jamás que tu Patria, que es la madre común a ti ya tus conciudadanos, sea injustamente oprimida, porque entonces vivir en ella será una tortura. Si té niega el bienestar, si permite que te opriman, aléjate en silencio; no la difames jamás; soporta resignado la adversidad.

viernes, 25 de noviembre de 2011

La Pirmavera - Antoni Vivaldi


Por: Ana Maria Guevara






Antonio Vivaldi: Antonio Vivaldi (4 de marzo de 1678 – 28 de Julio de 1741), apodado il Prete Rosso (“El Cura Rojo”) por su pelo rojo, fue un compositor italiano del Barroco, virtuoso del violín, nacido en Venecia. Vivaldi fue reconocido como uno de los más grandes compositores del Barroco, y su influencia durante su vida se difundió por Europa. Vivaldi fue conocido principalmente por sus conciertos instrumentales, especialmente para el violín, así como por sus obras sacras orales y sus más de 40 operas. Su trabajo mas conocido son una serie de conciertos para violín llamados las cuatro estaciones, Primavera, el primero de ellos, es la obra protagonista de este trabajo.

Muchas de sus composiciones fueron escritas para la ensamble musical femenino de “Ospedale Della Pieta”, hogar de niñas abandonadas en donde Vivaldi trabajo de 1703 hasta 1715 y de 1723 a 1740. Vivaldi también tuvo éxito presentando  sus operas en Venecia, Mantua y Viena. Después de conocer al Emperador Charles VI, Vivaldi se mudo a Viena esperando tener un trato preferencial. El emperador murió poco después de la llegada de Vivaldi, y el compositor murió pobre al no tener una fuente segura de ingresos.

Aun cuando la música de Vivaldi fue bien recibía durante su vida, su popularidad declino hasta su vigorosa resurrección en la primera mitad del siglo 20. Hoy en día Vivaldi se encuentra entre los más populares y reconocidos compositores del Barroco.

sistema modal heredado del canto gregoriano, mientras que en el barroco la música instrumental cobra fuerza hasta igualarse con la música vocal y se pierde la sonoridad modal. En esta obra podemos notar la consolidación de la tonalidad, característica del barroco que comienza a aparecer en el barroco temprano y que se consolida finalmente en el barroco tardío, la época en la que se sitúa esta obra.

La Primavera:

Primavera es uno de los conciertos solistas para violín que forman parte del “II cimento dell´armonía e dell´invenzione” (Ensayo de la armonía y la invención). Las cuatro estaciones están basadas en poemas que se cree fueron escritos por Vivaldi. Vivaldi introdujo en la partitura explicaciones escritas de aquello que describe mediante la música: "el canto de los pájaros, los truenos..." Es una obra profana, es decir, no es de carácter religioso.



Es una pieza instrumental. La música del renacimiento es en su mayor parte vocal, con una polifonía de reglas rigurosas y regida por el 

Esta obra está compuesta para violín solista y orquesta barroca de cuerda: violines, violas y el bajo continuo, formado por violonchelos, contrabajos y clavicémbalo. Estos instrumentos de cuerda fueron creados durante el barroco temprano basados en instrumentos del renacimiento. Hoy en día el violín es considerado un instrumento solista, sin embargo, antes de Vivaldi el violín era visto como un instrumento de ensamble. Vivaldi ayudo a darle protagonismo al violín y esto se puede ver en muchas de sus obras incluida “Primavera”.  El bajo continuo, presente en esta obra, es otra de las características del barroco. Al emplear esta técnica, el compositor crea la voz de bajo pero no especifica los acordes del ripieno (indicación que se utilizaba principalmente en las composiciones musicales de los siglos XVII y XVIII para distinguir al grupo grande de instrumentos (también llamado tutti) del grupo de solistas.), que deja a cargo del o los intérpretes. El bajo continuo puede contener "cifras" para guiar al ejecutante, origen del término bajo cifrado. El bajo continuo es ejecutado por uno o varios instrumentos, típicamente un instrumento armónico (es decir, capaz de producir acordes o polifonía) como los instrumentos de teclado (clavecín, órgano) u otros como el arpa y el laúd, con la voz de bajo simultáneamente a cargo de un instrumento de tesitura grave como el violoncello, la viola da gamba u otros. En esta obra el bajo continuo está formado por violonchelos, contrabajos y clavicémbalo.

Primer movimiento: Allegro

Con un tema de tres compases, la orquesta expone el tema que pretende anunciar la llegada de la primavera con una sonoridad alegre. El tema se repite pero en piano. El tocar el tema forte y después piano es muy típico del barroco, este contraste de dinámicas se repite durante este movimiento. Aparece el solista acompañado por un par de violines que imitan el canto de los pájaros a trabes de trinos agudos que se repiten dando un ejemplo del exceso de adornos que se usaban en el Barroco. Los trinos se pueden escuchar durante toda la obra. Figuras de dobles corcheas describen el agua brotando libremente de una fuente. Súbita aparición del solista sugiriendo una tormenta a través de fusas repitiendo una nota en registro grave. Se escucha de nuevo el tema con su repetición en piano y termina el primer movimiento.

           Segundo movimiento: Largo
            Vivaldi se caracterizo por darle al segundo movimiento tanta importancia como a los otros dos movimientos. Para muchos, el segundo movimiento era un descanso para los instrumentistas o simplemente el paso del primer movimiento al segundo. Vivaldi se caracterizo por darle a sus segundos movimientos mucho sentimiento y melodías líricas.

Sobre el verde campo y a la sombra de un frondoso árbol un pastor de cabras duerme una placentera siesta y, cerca de él, su perro ladra”. En este movimiento la melodía la tiene el violín exclusivamente mientras que el primer y segundo violín acompañan a la melodía a través de modelos rítmicos que imitan el murmullo de las hojas. La viola también acompaña con un modelo rítmico que imita el ladrido de un perro.

Tercer movimiento: Allegro (Danza pastoril)
En el campo y bajo el cielo azul pastores y ninfas danzan gozosos por la llegada de la primavera”. Musicalmente la escena se desarrolla sobre un compás de 12/8, con figuras rítmicas iguales para todas las cuerdas. Tiene una melodía adornada por apoyaturas y trinos imitando el “sonido festivo de rusticas gaitas”.  En este movimiento podemos ver también el uso del “eco” es decir el tocar el tema en forte y repetirlo en piano. El bajo continuo se mantiene durante todo el movimiento.


Forma Musical:

Concerto "per Soli":
Mientras Torelli y Corelli, entre otros, habían planteado el diálogo entre solista y orquesta, en un "balance de fuerzas" entre el grupo de solistas y el acompañamiento en lo que se denominó Concerto Grosso, fue Vivaldi quien estableció una estructura compacta del diálogo solista-orquesta, consolidando el concierto con solista o Concerto "per Soli".
El núcleo de esta organización en el concierto con solista radica en el desarrollo de la forma ternaria. La forma ternaria (A-B-A) consiste en A: exposición del tema, B: desarrollo, y A: reexposición del tema. En la parte A, el tema es el material musical que va a ser tratado en la parte central o desarrollo (B),  donde se presenta el diálogo propiamente dicho entre solista (s) y orquesta con melodías basadas en el tema principal, alternando con la aparición de elementos del tema e intervenciones de la parte del solo.
Esta forma musical se utilizó para los dos movimientos rápidos del concierto con solista (I y III), mientras el segundo, de carácter lento, podía estar en forma binaria o ternaria, siendo el solista el que prevalece.
Esta forma musical es única  de los conciertos con solista, no importa el número de solistas, sino el uso de esta forma musical.  Los concertos grossos no utilizan este esquema formal.



Antecesor: Concerto Grosso
El concerto grosso  (italiano para gran concierto) era una popular forma de música barroca usada por un conjunto musical que generalmente tenía de cuatro a seis movimientos, en los cuales el material musical era pasado entre un pequeño grupo de solistas o solista y una orquesta completa.

Sucesor: Concierto
El concierto es una forma en donde un solista toca acompañado de una orquesta. Aparece la cadenza, que si bien se empezó a configurar en el barroco, aquí se vuelve la característica distintiva del género. Generalmente se encuentra al final del primer o tercer movimiento, aunque en algunos casos también se puede encontrar en el segundo.

1er movimiento – Forma Sonata (Exposición, Desarrollo, Recapitulación - Rápido)
2do movimiento – Forma Rondó o Forma de Variación. Lento
3rd movimiento - Rondó. Rápido



Aporte e Influencia:La mayor aportación del músico veneciano fue el desarrollo del Concierto para Solista, estructurado por el concerto "per Soli", Ripieno y Bajo continuo (Tutti) que a diferencia de su antecesor, el concierto grosso, logra un desarrollo contrapuntístico y armónico más fluido, así como partes solistas más complejas en las que se concentra el desarrollo interpretativo y técnico. Esta forma se difundió entre los compositores de diversos países, donde se fue aplicando progresivamente en conciertos para diversos instrumentos

La reputación de Vivaldi se impuso asimismo en Alemania, donde Johann Sebastian Bach analizó y transcribió numerosos conciertos de violín adaptándolos para el clave. En este proceso, J. S. Bach desarrolló aún más la forma establecida por Vivaldi, aplicando nuevos principios como la polifonía y el uso de dos secciones en la exposición del tema.

Si bien el progreso en el género concierto se debe al impulso dado por Vivaldi, no menos importantes son sus obras de cámara, sus sonatas a tres instrumentos, oberturas o "sinfonías", que son más bien un tipo de "concierto sin solistas", y a sus poco conocidas óperas y arias, así como su música religiosa, en las que el lirismo y la poesía de las melodías son la muestra más clara del talento de Vivaldi.


Bibliografía:


martes, 22 de noviembre de 2011

El Mesías


    Por: Helmut David Schuster


Georg Friedrich Haendel nació en Halle, Alemania en 1685 y murió en Londres en 1759. Fue uno de los compositores más importantes del barroco tardío y de la música en general. Fue uno de los exponentes de la ópera seria italiana y el oratorio e incluyó obras en casi todos los géneros de la época. Componía más para el público en general que para la burguesía lo cual lo ayudó a tener tanto éxito, viajó a Italia ya que quería ser compositor de ópera y allí compuso oratorios, óperas y cantatas profanas. Al estrenar su obra Rinaldo en Londres tuvo tanto éxito que decidió establecerse en Inglaterra donde se nacionalizó un tiempo después. Manejaba casi todos los estilos: italiano, francés, alemán e inglés. El estilo italiano se caracterizaba por no tener casi armonización ni polifonía pero si resaltaba el bel canto (estilo vocal caracterizado por la utilización del legato). El estilo francés tenía mucha influencia del italiano, se caracteriza por su majestuosidad, los compositores agregaban sus propias experiencias. El estilo alemán, también influenciado por el italiano,  se basaba más que todo en temas religiosos y era más polifónico. El estilo inglés manejaba temas tanto sacros como profanos, se compusieron numerosos Himnos para grandes coros los cuales no eran de carácter litúrgico.
El estilo de Haendel era único, componía de acuerdo a sus emociones de una forma muy natural. Uno se puede dar cuenta más fácilmente de muchos estados de ánimo con sus obras que con obras de otros compositores. Era muy devoto y muchas de sus obras eran de carácter religioso. Sus obras vocales tienen una majestuosidad impresionante con el buen manejo de las diferentes tesituras de los cantantes y el manejo de las dinámicas. Personalmente yo no era muy amigo del canto lírico hasta escuchar con atención El Mesías.  Le cogí gusto, sobre todo a Haendel ya que otros compositores como Purcell son un poco más densos. Yo creo que eso fue lo que tanto gustó de Haendel, por decirlo de alguna forma y así suene “vulgar”,  él era más comercial con sus composiciones ya que sus melodías se pueden recordar con más facilidad (claro ejemplo: el Hallelujah), no son tan complicadas como las melodías de Bach, pero su “sencillez” es muy atractiva para el público ya que crea contrapuntos no tan elaborados pero muy claros. Siempre he admirado que con recursos sencillos se puedan crear obras maestras.

EL MESIAS


El Mesías es la obra más conocida de Haendel. Es un oratorio: Forma musical de carácter narrativo pero sin representación escénica. Se tratan temas del Antiguo o Nuevo testamento y los personajes no actúan, solo cantan. También intervienen la orquesta, los coros y los solistas. Fue compuesto en 1741 en tan solo tres semanas, está basado en la vida y muerte de Cristo. El libretista Charles Jennens compuso el texto del oratorio formado por textos bíblicos, y dividió la obra en tres actos subdivididos en escenas.
El Mesías es una obra principalmente coral y reúne todos los estilos que predominaban en Europa. La overtura comienza con un aire dramático, después, cuando se oyen las cuerdas en un tono alegre se logra un aire que quiere anunciar algo (obviamente hace referencia a las profecías que se irán a contar posteriormente), me llegan a la cabeza imágenes de la gente congregándose alrededor de algún profeta esperando las buenas nuevas. Mirando la partitura, se puede observar que este fragmento tiene una clara forma de fuga que se desarrolla impresionantemente.
En las siguientes canciones las partes vocales se caracterizan por tener melodías muy hermosas y emotivas, la textura es claramente homofónica (la orquesta acompaña a la melodía principal y no tiene momentos de protagonismo), esta textura predomina en gran parte de la obra a excepción de las partes enteramente instrumentales donde se turnan con la polifónica.





Las partes solistas tienen una gran complejidad vocal, como cantante, me parece impresionante la capacidad respiratoria que deben tener los cantantes para interpretar esta obra. Las partes corales son de gran majestuosidad y son muy atrayentes para el público en general, también son muy exigentes vocalmente, es una de las características que más se alaban de Haendel.
El manejo de la orquesta está muy bien pensado. El nivel compositivo de Haendel era algo sin precedentes, la manera en que la orquesta apoya a los cantantes y hace crecer las melodías cantadas por los mismos hace de la obra algo único y es, yo creo, una de las características que hizo a Haendel tan famoso. 


A continuación voy a comparar el estilo de Haendel con el de Purcell.
Henry Purcell (1659-1695) fue el compositor inglés más importante del barroco. Su estilo es muy diferente al de Haendel, obviamente los dos tienen elementos caracteristicos del barroco (como la polifonía, el uso moderado o excesivo de adornos, manejo de los agudos), pero Purcell lo desarrolla de forma diferente. Como decía anteriormente, las composiciones de Purcell son más densas, más personales (a excepción de algunas obras compuestas para la burguesía) y son un poco convencionales para nuestro oido. En algunas de sus obras (como Dido y Eneas) las melodías tienen un aire muy expresivo y la armonía no es tan consonante como en Haendel, usa mucho el cromatismo y las disonancias. En las partes vocales no se quiere resaltar el virtuosismo como tal sino las  emociones que se puedan proyectar hacia el público. No voy a decir que Haendel no quería proyectar emociones en el público, pero me parece que no lo hacía de una forma tan personal sino más comercial. Purcell estaba más influenciado en el estilo italiano, en sus arias se puede notar una clara influencia del compositor Monteverdi, mientras que Haendel abarca casi todos los estilos.

Personalmente me gusta más Haendel, sus composiciones son más amigables y claras, y su estilo es un resumen de todo lo que abarca el barroco. Es más preciso en lo que quiere expresar, me parece que a través de Haendel es un buen comienzo para empezar a entender un poco más el barroco y cabe resaltar que fue una gran influencia para los compositores posteriores como Beethoven, Mozart, Haydn, Lizst y hasta el mismo Johann Sebastian Bach (el cual era su contemporáneo).


BIBLIOGRAFÍA
http://es.wikipedia.org/wiki/Georg_Friedrich_Händel
La música de Henry Purcell por José Eurico Arias Solano
Fundación Juan Bautista Plaza: Georg Friedrich Haendel

                                                                                                      

martes, 15 de noviembre de 2011

JEAN-PHILIPPE RAMEAU Y SU OBRA “Les Indes Galantes”

Por: Carlos Beltran




Jean-Philippe Rameau (Dijon25 de septiembre de 1683 - París12 de septiembre de 1764), fue un músico, teórico y compositor francés de gran importancia para el desarrollo musical francés durante el periodo del Barroco, pues por un lado, exploraba una forma musical desarrollada anteriormente por Jean Baptiste Lully, la tragedia-lírica, mas sin embargo hacía grandes esfuerzos porque una nueva forma musical, la ópera-ballet, tomara fuerza y tuviera una buena acogida por el público. Su esfuerzo e importancia consiste en darle una nueva importancia a la parte instrumental, ya que deja de ser un simple acompañamiento y la orquesta se vuelve parte del espectáculo, en donde las voces, las danzas y los músicos están al mismo nivel de importancia frente al público. Ahora, para poder entender la importancia de Jean-Philippe Rameau, y de su obra Les Indes Galantes, es necesario, en primera instancia, hacer un análisis del contexto histórico en el cual se sitúa este compositor. Luego de abordar este contexto histórico, es importante continuar con el análisis del compositor como músico y así encontrar la relación entre su vida personal y su vida musical. Una vez desarrollados estos dos primeros puntos, será más fácil vislumbrar la importancia de una obra como Les Indes Galantes y el aporte, tanto de la obra como del autor, al desarrollo musical francés del Barroco, que en ese momento busca un distanciamiento del estilo italiano, y por eso, explorando dentro de lo que se puede denominar como ópera, el estilo francés se desarrolla teniendo en cuenta otros componentes tomados de otras formas musicales como el ballet de Cour, el pastoral, la pièce à machines y de la tragédie y comédie-ballet, lo que determina el desarrollo posterior del estilo francés y su interés por darle importancia al conjunto como todo, como espectáculo compuesto de varios componentes (texto, música, puesta en escena, danzas, vestimentas, etc.)

Análisis del contexto histórico.

Luego de un gran desarrollo de la ópera en Italia, esta forma musical llega hasta Francia. Sin embargo, en Francia es acogida de una manera muy diferente, pues mientras que en Italia se hablaba de la ópera como forma musical, en Francia, más específicamente en la ópera lullista, se habla de “una pieza de teatro con acompañamiento musical: ‘tragedia lírica’, no ‘ópera’. No se concibe como un conjunto formado por libreto y partitura, sino como una pieza dramática enriquecida con música, danzas, coros, tamoyas…”. Esto ocurre debido a la procedencia del mismo Lully, quien si bien se consolida como una influencia musical francesa, su procedencia (nacido en Italia), y todo su bagaje cultural traído desde este otro país, hace que al introducir la ópera en Francia, lo haga aún con una influencia italiana. La diferencia con la òpera-ballet francesa radicaría, más adelante, en que mientras que la ópera italiana nace de la importancia de explorar nuevas posibilidades con las voces, una vez llegada a Francia, y después de un tiempo, se le da importancia no solo a las voces sino que ganan protagonismo los bailes, las puestas en escena y la misma orquesta.

Aún cuando la forma musical no sea exactamente la misma que en Italia, pues en ese momento la ópera italiana, en 3 actos, se proponía exaltar la música y sobre todo el canto solista, por otro lado, la tragedia lírica , en 5 actos, pretendía poner al mismo nivel de importancia los diferentes componentes de la obra (texto, música, luces, vestimenta, etc.); se puede afirmar que la ópera francesa nace a manos de Jean-Baptiste Lully, quien presenta en 1673 lo que se puede considerar como la primera ópera francesa: Cadmus et Hermione. Sin embargo, para ese entonces, el autor denominaba a este tipo de obras “tragédie en musique” que más adelante se transforma en “tragédie lyrique”, una forma musical denominada como ópera, pero que difería de la ópera italiana para poder complacer el gusto del público francés, y la necesidad de exploración de los compositores como Lully, Couperin y finalmente Rameau.


Es así como la estructura musical de la ópera italiana (en 3 actos) se ve reemplazada por una fórmula que más adelante sería conocida como “francesa”, pues para poder satisfacer el gusto del público francés, dentro del cual se encontraba el rey Luis XIV, Lully decide proponer para esta forma musical, una estructura dividida en cinco actos, cada uno independiente, precedidos por un prólogo. Este prólogo a su vez era presentado después de una “obertura” a tres partes que se desarrollaban según el siguiente orden: lento-vito-lento.

Esta sería entonces la estructura que predominaría en el territorio francés hasta la muerte de J.B. Lully. Un periodo considerablemente largo en el cual la música quedaba sin posibilidad de experimentar cambio alguno, dada la cercanía del compositor con el rey Luis XIV (primogénito y sucesor de Luis XIII y de Ana de Asturia, hija del rey Felipe III de España, que reinó en Francia desde 1643 hasta 1715), personaje que si bien ayudó a la difusión y dominio cultural francés en Europa, dando a conocer a personajes como Molière, Racine, La Fontaine, y hasta al mismo Lully, dada su condición de dirigente absolutista y de poder totalmente centralizado, el desarrollo cultural giraba en torno a sus gustos y a su mandato y permisividad. Al respecto, Marie-Claire Beltrando-Patier, autora del libro “Historia de la Música”  afirma que “El monopolio sobre la producción de tragedias líricas que Luis XIV concedió a Lully limitó considerablemente la vida musical del país. (…) Entre 1672 y 1687 no se produce en Francia ninguna ópera importante, excepto las de Lully”. Consecuentemente, después de un monopolio sobre la producción de tragedias líricas, en el cual Lully acaparó el desarrollo musical de todo un país, tras la muerte de este compositor, y además de su libretista y poeta (Quinault), Francia entra en un periodo de estancamiento. A pesar de la aparición de un nuevo género en la música francesa, la ópera-ballet, a manos de André Campra (1660-1774), no es sino hasta Jean-Philippe Rameau que la escena musical francesa encuentra una renovación, donde las danzas cobran la mayor importancia por encima de las partes líricas y el hecho de buscar nuevos personajes protagonistas para las ópera-ballet sacados de la vida contemporánea, dejando de lado a los héroes mitológicos tan apreciados y utilizados en la tragedia musical. “Todos sus contemporáneos atribuyen a Rameau el mérito –o el error-  de haber transformado el género”. Se pasa entonces de la tragedia lírica propuesta por J.B. Lully, descrita en líneas anteriores, en donde “la obra era el texto; la música, un mero adorno”, a la renovación de la tragedia lírica de J.P. Rameau “bajo la forma, en principio, de un cambio de papeles: la música suplantaba al poema”.

Análisis del compositor: Jean-Philippe Rameau

Vale la pena mencionar que, a pesar de haber nacido en 1683, y haber tenido una vida musical activa durante los primeros años de su vida, siendo violinista y teórico musical, no es hasta que compone su primera ópera Hippolite et Aricie en 1733 que logra causar un revuelto en la música francesa. Siguiendo el camino abierto por André Campra, situado cronológicamente entre Lully y Rameau, y quien desarrolla la forma de la comédie-ballet con la creación de su obra “L’Europe Galante” en 1697, Rameau retoma esta forma y tema en 1735 al componer Les Indes Galantes, una ópera-ballet que llega a ser la obra más conocida de este compositor, y que consiste en una parte del gran aporte que este personaje haría a la música francesa que tendría su apogeo en el Clasicismo. En esta obra, Jean-Phillipe Rameau logra mostrar una gran producción, o como se le llamaba, un grand-spectacle que responde igualmente a un periodo de la vida del rey Luis XIV, en donde se dedica a los placeres de la vida y a disfrutar de las galanterías de su corte. Es entonces Rameau quien logra cambiar la perspectiva y mostrar un nuevo mundo contemporáneo, hablando del amor y sus diferentes interpretaciones en las “Indias” de cuatro lugares distintos y muy alejados de Francia; deja entonces de preocuparse por mostrar las vidas y tragedias de héroes y personajes mitológicos para mostrar una realidad contemporánea basada en temas menos trascendentales y más despreocupados.

La obra: Les Indes Galantes

Esta obra es una ópera-ballet, forma musical desarrollada en Francia “la cual consistía en un prólogo seguido de una serie libre de actos —también conocidos como «entrées» (entradas)— a menudo vagamente agrupados alrededor de un tema único. Los actos individuales también podían ser representados de forma independiente, en cuyo caso se conocían como «acte de ballet»” La ópera-ballet, como lo indica su nombre, es una representación teatral con música, en donde la danza cobra gran importancia, a diferencia de lo que ocurría con la “tragédie en musique”. A diferencia de Lully y su tragedia lírica, donde la importancia la tienen en mayor grado las partes líricas, Rameau exalta la importancia de las danzas y la puesta en escena, dejando atrás la simple representación teatral y llevándolo hasta el nivel del grand-spectacle donde todos los componentes se pueden ver como partes iguales de una grandísima producción teatral compuesta por texto (con su libretista), música (del compositor en este caso Rameau), puesta en escena, vestimenta, máquinas y efectos especiales de luz y sonido (traídos de la pièce a machines) entre otras cosas. Es importante mencionar que a lo largo del Barroco, la ópera-ballet siguió siendo una forma musical popular, bien recibida por el público francés. Así se encuentran títulos del mismo compositor como Les Fêtes d’HébéLes Fêtes de PolymnieLe Temple de la GloireLes fêtes de l’Hymen et de l’AmourLes Surprises de l’Amour.



Esta obra en particular, Les Indes Galantes, consiste en un prólogo seguido por cuatro entradas que narran diferentes historias de amor en lugares que, en ese entonces, por ser desconocidos, se denominaban como “Las Indias”. Estos cuatro lugares son Turquía, Perú, Persia y Norteamérica. Sin embargo, en el momento de su estreno en 1735, sólo fueron presentadas tres de las entradas. La cuarta entrada fue estrenada un año después.

En esta ópera ballet, se pueden observar diferentes formas musicales dentro de la obra, pues se compone de arias, dúos, corales, momentos sinfónicos y fragmentos compuestos únicamente por la orquesta, entre muchas otras formas; las cuales van apareciendo de acuerdo al desarrollo de la obra. Por ejemplo, cada acto, o cada una de las entradas abre con una parte sinfónica, para así darle la importancia y el espacio necesario de desarrollo a la orquesta, ya que las partes recitativas, siguiendo con la idea del Barroco de destacar igualmente las voces, son acompañadas generalmente por un clave, pues la importancia en este momento de destacar el texto y asegurar su entendimiento era una de las preocupaciones primordiales tanto para los libretistas como para los compositores. Otra diferencia que se vislumbra en esta obra es la exaltación de personajes mundanos mostrado en situaciones que contrastan con las tragedias clásicas y con los héroes y personajes míticos de los inicios de la ópera italiana. Entonces, en esta obra, Les Indes Galantes, se mantiene esta concepción y se presenta el argumento de esta obra en referencia a la vivencia de “las indias” de cuatro lugares diferentes viviendo un mismo tema, que para este caso es el amor mundano.


Bibliografia:
“Historia de la Música”  Marie-Claire Beltrando-Patier


jueves, 3 de noviembre de 2011

Suite n1 En sol mayor – Johann Sebastián Bach

                                                                                                                       Por: Daniel Augusto Yepes




1.     Forma musical:

La forma musical de la obra es una Suite (El vocablo suite, aceptado universalmente como francés, significa sesión o secuencia). Una suite es un genero compuesto por varios movimientos que tienen origen en danzas barrocas, a su vez, todos los movimientos se encontraban en la misma tonalidad o en la relativa menor. La suite es simplemente una composición basada en la sucesión de distintas danzas barrocas. La suite antigua Constaba de 10 movimientos; Solía comenzar con un preludio o un allemande que es una Danza alemana de compas cuaternario o binario simple[1], haciendo transición por distintos géneros, Como la Courante(francesa), que era una danza ternaria[2] de finales del renacimiento y orígenes del barroco Y la Zarabanda[3] (española) en las piezas básicas, en otras no tan básicas el minueto, Y en otras menos comunes como la passacagglia[4], de danzas barrocas hasta terminar en una danza alegre o viva como una Giga[5]. Ejemplos de esta organización son:

·         Suite nº 1 en La Mayor para clave (Charles Dieupart)
1.                      Ouverture[6]
2.                      Allemande
3.                      Courante
4.                      Zarabanda
5.                      Gavota[7]
6.                      Minueto
7.                      Giga
·         Suite nº 2 en Re mayor para clave (Charles Dieupart) 
1.                       Ouverture
2.                       Allemande
3.                       Courante
4.                       Zarabanda
5.                       Gavota
6.                       passacagglia
7.                       Gigue


·         Suite nº3: Música acuática (Händel)

1.                       Allegro
2.                       Rigaudon[8]
3.                       Allegro
4.                       Minueto
5.                       Allegro

La suite es considerada una de las primeras manifestaciones de música orquestal moderna y se le considera uno de los antecedentes de la Sonata. Recibió distintos nombres como: Odre (En Francia), Patita (Alemania) y Sonata (en Italia, antes del nacimiento de la sonata clásica).
La suite tuvo su apogeo con Händel[9] Y Johann Sebastián Bach (El compositor de la presente obra) Con los cuales tuvo cierta evolución y cambio transformándose en una forma musical sofisticada, en la cual, Se mesclaban distintas tonalidades, Se usaba múltiple material temático que contrastaban al principio de la obra y se re-exponían.
Con dichas característica presenta una evolución donde:

Ø  Primero usa distintas danzas barrocas organizándolas como ya se ha mencionado

Ø  Después las mezcla con exposiciones de distintas tonalidades saliéndose del cuadro de una sola tonalidad con su relativa menor

Ø  Se ve influido por nuevos compositores y por sus dos grandes expositores (Händel y Bach)


En resumen, la suite es la unión en una sola obra de varias danzas de distinto carácter y ritmo, con el que consigue dar el sentido dramático de “contraposición”, típico del barroco.
Dando origen en la segunda mitad del siglo XVII A la sonata clásica. Estas se diferencian así:

Suite
Sonata
§  Es una conjunto de danzas barrocas
§  Se compone de 5, 6, 7 o hasta 10 danzas
§  Tiene su auge a principios del siglo XVII en el barroco
§  Se conforma de movimientos
§  Se conforma de 2, 3 o 4 movimientos
§  Tiene su auge en la segunda mitad del siglo XVII






2.      Apreciación de la Obra y las Suites :

La suite N1 para Violonchelo De Bach hace parte del grupo de 6 Suites:
·         Suite n1 En sol mayor
·         Suite n2 En Re menor
·         Suite n3 en Do mayor
·         Suite n4 en Mi bemol mayor
·         Suite n5 En do menor
·         Suite n6 en Re mayor
Estas obras son consideras unas de las más importantes y mayores obras compuestas para Violonchelo, con el paso del tiempo se han convertido en parte habitual del repertorio y auténtica piedra de toque para los chelistas.
Dichas obras tienen gran importancia ya que contiene gran cantidad de dispositivos técnicos, una amplia gama emocional y las interacciones entre voces propias del contrapunto de Bach, tales características en la obra, les permite demostrar a los Chelistas demostrar su habilidad y dominio del instrumento. Otro punto que le da mucha importancia a las Suites De Bach es que Gracias a esta obra, como lo son otras tantas, el Violonchelo fue adquiriendo el reconocimiento que se merecía como instrumento Solista.
La obra (Suite n1 en sol mayor de Bach) tiene un compas de 4/4 y es la primera de las suites para violonchelo solo, tiene la función de preludio a las demás suites. La obra fue considerada un ejercicio por algunos críticos, debido a que al comienzo se basa en unos arpegios en Semicorcheas, pero seguido a esto hay varios pasajes donde los arpegios comienzan a ascender, En tal punto se rompe la línea, por lo cual no hay posibilidad de que a partir de aquí sea un estudio[10]. Después vienen unos compases donde se usa un Re como nota pedal y una ascensión cromática que genera cierta tensión, que después se resolverá en un acorde. La obra está organizada así:
1.      Allemande
2.      Courante
3.      Zarabanda
4.      Minueto
5.      Giga
Otro aspecto que importa mucho sobre la obra es la gran cantidad y forma de interpretaciones que se han realizado de esta obra, lo cual le da campo a un amplio campo de evaluación sobre el tema, Siempre hay campo para la discusión sobre la técnica del arco, de la posición, de la mano izquierda. Las mejores interpretaciones son muy limpias realmente, no se usa mucho el Vibrato, no tiene Gissandos[12] y en un buen número de interpretaciones se toca el chelo con la técnica barroca, consistente en tener el chelo entre las piernas. Lo más importante de la obra, así como de las suites, es que le dio una importancia al chelo que no se le había reconocido antes.


3.     Vida Y obra De Johann Sebastián Bach:



Bach Nació en Eisenach, Turingia en 1685, Fue un compositor, organista y clavecinista Alemán que destaco durante el periodo del Barroco, influyendo en la música de distintas maneras gracias a sus obras y aportes musicales.
Perdió a su madre a los nueve años y a su padre a los Diez, se fue a vivir con su hermano Christopher Bach, en ohrdruf. Allí Copiaba papeles y la interpretaba en  el órgano, además de aprender teoría musical, composición y aprender a tocar el Clavicordio[13]. A los 14 años fue becado para estudios corales en la Escuela de San miguel, Donde existen mitos de que tocaba con tres pianos, cantaba, aprendió francés e italiano, además de recibir una amplia educación en  Teología, Latín, Historia, geografía Y física.
En 1703 Tras terminar sus estudios se vuelve músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, un año más tarde iría a la corte de Weimar con un nuevo trabajo como concertino. Tras la muerte del maestro y que el puesto se le haya negado decide buscar otro trabajo.
Entre 1717 y 1723 Vivió en  Köthen y entre 1723 y 1750 en Leipzig, estos fueron sus dos periodos más creativos, donde compuso las fugas, las suites y los canon que mayor reconocimiento le brindaron.  La influencia de Bach se puede ver de la siguiente manera:

*Sus obras influyen y marcan una nueva dirección en la música de occidente, entre estas figuran “La pasión según san mateo”, “tocata Y fuga en re menor”,  “Suites para violonchelo solo” y las sonatas, entre otras obras.

*Fue uno de los primeros grandes maestros del concierto de teclado.

Johann Sebastián Bach muere en 1750 de un ataque de Apoplejía[14] después de una intervención en un ojo por parte del cirujano ambulante ingles llamado John Taylor[15]. Bach había perdido totalmente la vista antes de morir, pero había recuperado la vista horas antes de fallecer. Se cree que su ceguera fue producto de una diabetes por la cual padeció de Blefaritis[16]



[1]  Denominación en desuso del compás 4/4
[2] Una Danza de forma ternaria es aquella que se compone de tres secciones independientes, donde la primera y la última parte son iguales o parecidas.
[3]  Danza de origen español de compases ternarios (3/4) con el segundo y tercer tiempo ligados, por lo general.
[4]  Forma musical de ritmo vivo con origen español de compas ternario
[5] Danza alegre de posible origen Ingles de pasos rápidos y complejos en compases 6/8, 12/8, 3/8 o 9/8 realizado por uno o dos solistas.
[6]  La Ouverture, en este caso, se utiliza como introducción a la obra.
[7]  Danza de origen francés, De compas 4/4 y velocidad moderada donde las notas comienzan en el tercer tiempo.
[8]  Es una danza de origen francés, la cual tiene un ritmo binario, es una contradanza, que se baila entre dos o más parejas con variedad de figuras, la danza suele comenzar por la última nota del segundo tiempo.
[9] Händel (1689-1759): Compositor alemán posteriormente nacionalizado ingles considerado uno de los máximos exponentes del barroco e influyente en la música universal y occidental.
[10] Es una breve composición hecha para practicar una destreza técnica particular en la ejecución de un instrumento solista
12] Técnica en la cual se desliza el dedo por la misma cuerda de una nota a otra para que suenen todas las notas existentes entre el intervalo deseado
[13] Instrumento Musical europeo de teclado, cuerda percutida Y sonido muy débil, que a diferencia del piano, está en otra clave y es un instrumento con mayor respuesta al tacto.
[14] Perdida de funciones cerebrales producto de la interrupción del flujo sanguíneo al cerebro y que origina, Una serie de síntomas variables en función del área cerebral afectada.
[15] Que luego operaria a Händel con los mismos resultados.
[16] Inflamación del tejido que forma el parpado